Con la tontería de lo del “orgasmatron “, Mendetz no han dejado de sonar en las discotecas durante los últimos años. El grupo de nu-rave o de casiopunk, según ellos, ha dado un sorprendente paso en su segundo álbum y, aunque siguen sin sonar demasiado originales (donde antes miraban a los hijos de Gang Of Four ahora lo hacen a Daft Punk), han sabido meter en su baticao funky, disco y house con mejores resultados que los mismísimos Justice.
Vale, igual no hay un hit catapulta tipo ‘D.A.N.C.E.’, pero el fondo de ‘Souvenir’ está mucho menos relleno de morralla de lo que cabría esperar. Mezclado en París por Alf (Air, Phoenix), el segundo largo de Mendetz cuenta con un sinfín de giros inesperados en sus canciones que las hacen sorprendentes y muy divertidas (ese final de disco jevi). ‘Cholula Cream’ empieza como una ochentada de banda sonora, sigue un poco más Prince y al final recuerda a ‘Thriller‘. Todo parece lo mismo, pero no lo es. ‘Flashback’ es un gran trallazo con estribillo funky, sirenas de policía y solos de guitarra, sí, a lo Daft Punk. Y ‘BM7 Sosterior’ acaba en plan monacal sólo para que el subidón que supone después ‘Wolfdance’ sea mayor. Un disco bastante inteligente de lo más exportable que tenemos en España.
Han pasado casi cinco años desde que Depeche Mode publicaran su anterior disco, Playing The Angel (Mute, 2005) y los miles de seguidores que tienen por todo el mundo ya tienen en las manosSounds of the Universe, su duodécimo álbum.
El trío lo grabó entre Santa Barbara y Nueva York a las órdenes de Ben Hillier, que también produjo su anterior entrega con un resultado no tan positivo como se esperaba, aunque varios de sus temas eran demasiado buenos como para fastidiarlos un mal productor.
Sounds of the Universe es un nuevo ejercició de ironía de los de Basildon, de similar calibre al que en su día hicieron al titular a su disco de 1986 Music For The Masses. Porque nada más lejos de la realidad que las trece nuevas canciones de Depeche Mode sean sonidos del universo.
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Aquí, han optado por el camino más tortuoso; me explico. No hay ningún tema rompedor en este conjunto, prueba de ello ha sido el primer single que se publicó el pasado 6 de abril.
Así es, ‘Wrong’ (YouTube ) hace honor a su nombre, para mí se han equivocado al elegirlo, pues ni tiene un estribillo claro ni por supuesto pegadizo, y se hace un tanto cansino su escucha. Aquí Depeche Mode han optado por sintetizadores analógicos y samples, una experiencia que vuelve a acercarles al rock industrial al que han recurrido en algunos momentos de su carrera.
En Sounds of the Universe Depeche Mode han optado principalmente por el camino menos fácil, siguiendo en gran parte de su minutaje los pasos marcados en el material menos amable de su anterior disco, me estoy refiriendo a ‘The sinner in me’, ‘Macro’ o ‘I want is all’.
No estoy de acuerdo con Julián Ruiz, productor y presentador de Plásticos y Decibelios, quien ha afirmado en su blog que éste es el mejor álbum del grupo desde Violator. Casi nada con la declaración del antaño productor de Tino Casal
Yo me esperaba que Sounds of the Universe, cuya portada de Anton Corbijn de inspiración neoplasticista no me parece una maravilla, tuviera temas como ‘Precious’, una de las mejores canciones de su carrera, ‘Suffer well’ o incluso como ‘A pain that I’m used to’, los otros dos sencillos de Playing The Angel.
A pesar de todo, Depeche Mode, con casi treinta años de carrera a sus espaldas, siguen siendo una de las pocas bandas capaces de llenar estadios y con unas ventas superiores a la increíble cifra de más de 100 millones de discos.
Y con cada nueva entrega se arma un revuelo mediático, copan portadas de revistas y publicaciones on line y, ahora sí, sus discos se filtran cada vez más pronto en Internet. De hecho éste disco, que se ha puesto hoy a la venta y desde hacía un mes que se podía descargar al completo.
Hay que esperar al tema 6 de “Sounds Of The Universe” para encontrarse con lo que podríamos llamar un single claro. Éste es ‘In Sympathy’ (YouTube ), un tema que puede bailarse, con un estribillo redondo y donde escuchamos los sintetizadores analógicos que tan bien saben usar el grupo inglés.
El disco se abre con ‘In Chains’, un tema que descoloca al principio por el caos sonoro generado por los osciladores analógicos, y una melodía muy oscura y un toque bastante atrevido que podría haber sido perfectamente un descarte del anterior álbum.
Las tres aportaciones de Dave Gahan, ‘Hole to feed’, ‘Come back’ y ‘Miles away/The truth is’ son de lo peor del álbum. Aquí el cantante se une a Christian Eigner, batería del trío, y a Andrew Philipott para dar salida a su egocentrismo y errando sobre todo y especialmente en el segundo corte. Eso sí, los acérrimos de Gahan estarán contentísimos con estas canciones, especialmente con la oscuridad de la primera.
¿Qué se salva de Sounds of the Universe? La verdad es que poco, salvo la ya citada In Sympathy, lo hace con ‘Fragile Tension’ (YouTube ), un single en potencia, con un estribillo fantástico, unas guitarras poderosas y una exhibición de sintetizadores analógicos, Moog y Korg, que nos hacen seguir confiando en el trío.
Y por supuesto ‘Peace’ (YouTube ), que cierra la terna aprovechable del álbum. Un tema cantado por Dave y Martin Gore con un estribillo infalible como en los viejos tiempos, y es que Dave Gahan canta aquí bastante inspirado.
Martin Gore nos regala un instrumental bastante cinemático, ‘Spacewalker’, donde el compositor saca toda su cacharrería vintage para dar a luz a un tema corto que es toda una rareza en su producción.
A éste se le va literalmente la pinza en ‘Jezebel’, una balada que no pega para nada en el disco y que ni siquiera se acerca ni de broma a ‘Home’, un clásico del grupo en el que también cantaba el hacerdor de hits de Depeche Mode.
Y me quedaban por mencionar ‘Little Soul’, en el que lo mejor es el tratamiento de la voz de Dave Gahan que está envuelta por percusiones bastante atmosféricas, y ‘Corrupt’, que parece indicar por dónde irán en el futuro los caminos de Depeche Mode, introspectivo, un poco decadente y por supuesto insinuante cuando Dave canta eso de “I could corrupt you”.
A pesar de todo lo dicho anteriormente uno se confiesa seguidor de los Depeche y el el día de salida me he hecho con una copia del disco que para mi horror se ha publicado en varios formatos.
Existe además del doble vinilo con el CD incluido en él, una edición sencilla y una especial CD+DVD que incluye el álbum mezclado en Dolby 5.1, el vídeo de Wrong, un documental sobre la grabación del disco y las remezclas de tres temas. Y para rizar el rizo, Depeche Mode nos han puesto la miel en los labios con una caja que incluye además de lo anterior, temas extras entre los que se encuentra ‘Oh well’, firmado a medias por Gore y Gahan, cuatro canciones grabadas en el estudio en diciembre de 2008, remezclas y maquetas viejas y nuevas, todo ello en tres compactos y unDVD.
1.- Belle & Sebastian - I WANT THE WORLD TO STOP (LP Belle and Sebastian Write About Love)
2.- Avi Buffalo - WHAT'S IN IT FOR? (LP What's In It For?) 3.- Javiera Mena - HASTA LA VERDAD(LP Mena) 4.- Beach House - ZEBRA (LP Teen Dream) 5.- Ariel Pink's Haunted Graffiti - BRIGHT LIT BLUE SKIES (LP Before Today) 6.- Dënver - LO QUE QUIERAS (LP Música, Gramática, Gimnasia) 7.- Reina Republicana - CLONIDINA (adelanto nuevo LP)
Club 45: 90 Canciones de la Era Pop para mods y jetsetters
Es sorprendente ver cómo un artefacto como el single, que nació para ser objeto de consumo en los 60, no sólo ha sobrevivido al paso del tiempo sino que se ha convertido en uno de los más claros referentes de una era que sucumbió ante los encantos del pop y la moda juvenil. El disco de 7 pulgadas simboliza lo efímero, lo intrascendente, incluso lo barato y, sin embargo, tiene un encanto que no han sabido superar otras manifestaciones de cultura popular. El single fue el vehículo perfecto para la “globalización” del fenómeno beat, que apareció en Inglaterra a comienzos de la década y que, como una epidemia, se extendió por los cinco continentes. Alejandro Diez Garín, antes líder de Los Flechazos y ahora al frente de Cooper, desempolva su colección de discos y memorabilia sixties para ofrecernos 90 canciones imborrables. 90 porque es el doble de 45, y a 45 revoluciones por minuto giraban estos sencillos en tocadiscos de todo el globo. 90 porque los singles tienen dos lados y muchas veces era en la cara B donde los artistas podían esquivar la dictadura del éxito inmediato y desarrollar sus ideas más avanzadas en sonido y estilo. Este libro, repleto de anécdotas, detalles y evocadoras imágenes, es imprescindible para fanáticos de los sesenta y amantes de la música en general. Un apasionante viaje por los clubs, los estudios de grabación y las calles que frecuentaron los protagonistas de la explosión beat, los lugares y las canciones donde se esconden las auténticas raíces de la cultura pop.
Singles que suenan en el Club 45:
EN EL CLUB: RHYTHM´N´BLUES, BEAT Y EL SONIDO DEL FLAMINGO
THE HIGH NUMBERS I´M THE FACE (1964)
GRAHAM BOND ORGANISATION LONG TALL SHORTY (1964)
THE CHEYNES GOIN´ TO THE RIVER (1964)
MICKEY FINN & THE BLUE MEN PILLS (1964)
BO STREET RUNNERS BO STREET RUNNERS (1964)
LONG JOHN BALDRY TIMES ARE GETTING TOUGHER THAN TOUGH (1965)
GEORGIE FAME SOMETHING (1965)
THE MARK LEEMAN FIVE GOTTA GET MYSELF TOGETHER (1965)
THE RIOT SQUAD ANYTIME (1965)
THE BIRDS LEAVING HERE (1965)
GARY FARR & THE T-BONES GET THE MONEY (1965)
THE FAVOURITE SONS THAT DRIVING BEAT (1965)
THE IN CROWD THINS SHE SAYS (1965)
THE CLAYTON SQUARES COME AND GET IT (1965)
DAVID JOHN & THE MOOD BRING IT TO JEROME (1965)
THE YARDBIRDS HEART FULL OF SOUL (1965)
THE SMALL FACES WHATCHA GONNA DO ABOUT IT (1965)
THE SHOTS KEEP A HOLD OF WHAT YOU´VE GOT (1965)
JIMMY JAMES & THE VAGABONDS AIN´T LOVE GOOD, AIN´T LOVE PROUD (1966)
ZOOT MONEY´S BIG ROLL BAND BIG TIME OPERATOR (1966)
VIVIENDO EN LA ERA POP: MODBEAT, POP-ART Y EL SOUL DE OJOS AZULES
THE EYES WHEN THE NIGHT FALLS (1965)
THE BYRDS FEEL A WHOLE LOT BETTER (1965)
IVAN´S MEADS A LITTLE SYMPATHY (1965)
GOLDEN EARRINGS CHUNK OF STEEL (1965)
THE ARTWOODS I FEEL GOOD (1966)
THE BEATSTALKERS YOU´D BETTER GET A BETTER HOLD ON (1966)
THE CRAIG READY, STEADY, LET´S GO (1966)
THE MONTANAS THAT´S WHEN HAPPINESS BEGAN (1966)
SPENCER DAVIS GROUP SOMEBODY HELP ME (1966)
THE REMAINS DON´T LOOK BACK (1966)
THE MOTIONS EVERYTHING THAT´S MINE (1966)
THE HABITS ELBOW BABY (1966)
JOHN BULL BREED CAN´T CHANCE A BREAKUP (1966)
THE SHADOWS OF KNIGHT OH YEAH! (1966)
THE ACTION I´LL KEEP ON HOLDING ON (1966)
A BAND OF ANGELS INVITATION (1966)
THE PRIMITIVES OH MARY (1966)
THE GAME GONNA GET ME SOMEONE (1966)
THE WHO THE KIDS ARE ALRIGHT (1966)
PETER B´S IF YOU WANNA BE HAPPY (1966)
THE ROCKIN´ VICKERS IT´S ALRIGHT (1966)
THE SMALL FACES SHALALALALEE (1966)
THANE RUSSAL SECURITY (1966)
THE CREATION MAKING TIME (1966)
A WILD UNCERTAINTY MAN WITH MONEY (1966)
STEVE HAMMOND THE WORLD IS WRAPPED AROUND MY NECK (1966)
5 A. M. EVENT HUNGRY (1966)
DAVID BOWIE & THE LOWER THIRD CAN´T HELP THINKING ABOUT ME (1966)
THE MODE WHAT YOU BEEN DOING (1966)
THE SCOTS OF ST. JAMES TIC TOC (1966)
THE EASYBEATS FRIDAY ON MY MIND (1966)
ST. LOUIS UNION ENGLISH TEA (1966)
THE TROGGS I CAN´T CONTROL MYSELF (1966)
THE MEASLES KICKS (1966)
THE TRUTH HEY GYP (DIG THE SLOWNESS) (1966)
THE UNTAMED GIMME GIMME SOME SHADE (1966)
THE SHOTGUN EXPRESS I COULD FEEL THE WHOLE WORLD TURN ROUND (1966)
THE PURPLE HEARTS OF HOPES AND DREAMS AND TOMBSTONES (1966)
THE END WHY (1967)
ARCO IRIS: FREAKBEAT, SOUL Y EL INICIO DE LA PSICODELIA
GENO WASHINGTON & THE RAM JAM BAND QUE SERA SERA (1966)
THE SMOKE MY FRIEND JACK (1967)
THE OUTER LIMITS JUST ONE MORE CHANCE (1967)
THE WARDS OF COURT HOW COULD YOU SAY ONE THING (1967)
ALAN BOWN SET GONNA FIX YOU GOOD (1967)
THE ATTACK ANYMORE THAN I DO (1967)
JULIAN COVEY A LITTLE BIT HURT (1967)
HAMILTON & THE MOVEMENT I´M NOT THE MARRYING KIND (1967)
JOHN´S CHILDREN COME AND PLAY WITH ME IN THE GARDEN (1967)
LOS SALVAJES LAS OVEJITAS (1967)
THE EYES OF BLUE SUPERMARKET FULL OF CANS (1967)
THE TWILIGHTS 9:50 (1967)
RONNIE BIRD C´EST UN HOLD UP (1967)
THE SYN 14TH HOUR TECHNICOLOUR DREAM (1967)
RUPERT´S PEOPLE DREAM IN MY MIND (1967)
THE MOVE I CAN HEAR THE GRASS GROW (1967)
CARL DOUGLAS & THE BIG STAMPEDE SOMETHING FOR NOTHING (1967)
SHARON TANDY HOLD ON (1967)
THE QUIK SOUL FULL OF SORROW (1967)
THE FLIES MAGIC TRAIN (1968)
LUCAS & THE MIKE COTTON SOUND SOUL SERENADE (1968)
2. The Chemistry Set - SHEER TAZER LUV (LP This Day Will Never Happen Again) 3. Philip Selway - BY SOME MYRACLE (LP By Some Miracle) 4. Brandon Flowers - CROSSFIRE (LP Flamingo) 5. Kids of 88 - MY HOUSE (LP My House) 6. Single - POSPONÍAS (LP Monólogo Interior) 7. Los Punsetes - DINERO (LP2)
No sé si es común en el género humano pero lo cierto es que a mi me sucede con frecuencia. Durante períodos más o menos largos de tiempo no consigo dejar de escuchar ciertos discos y en esta ocasión me está sucediendo con Cuando el destino nos alcance de Lori Meyers. Llevo semanas escuchándolo sin parar, en el coche, en el ipod, en casa, mientras escribo este post... y lo mejor de todo es que con cada nueva escucha crecen mis ganas. Recuerdo que la última vez que me sucedió algo parecido fue hace algunos meses con Feria Pop de Febrero.
El caso es que me parece ya uno de los discos del año. Un LP redondo, de principio a fin. Cada canción es un temazo a su manera. Desde ¿Aha han vuelto? con sus ramalazos electrónicos hasta Castillos de Naipes, esa balada setentera con olor a rancio que los granadinos consiguen hacer sonar actual.
Como bien afirman en su myspace: Comprobarán enseguida que este nuevo y energético disco comparte esa fijación por las melodías pegadizas pero hay algo distinto; el grupo suena renovado y suena increíblemente bien. Recordemos, cuarto disco del grupo y todavía veinte añeros. Lori Meyers han vuelto a lo grande con una colección de singles sobresaliente, con una energía y unas canciones propias de un primer álbum de esos que dejan boquiabiertos a medio mundo. Puede que los astros estén en su sitio y haya llegado el momento de Lori Meyers. Lori Meyers se han pasado dos años sin parar de tocar, escuchando nuevas músicas, escarbando en las melodías perfectas del pasado que tanto les gustan y viendo cientos de películas de ciencia ficción. ¿A qué suena entonces este nuevo disco? Suena joven, renovado y liberado, directo y sin complejos. Tras ese título tan retro-futurista se esconden 11 gemas imparables muy bien atadas, como si fueran la banda sonora de una película llena de persecuciones, acción, fiesta y celebración. A sus referencias clásicas habría que añadir algunas nuevas influencias indietrónicas como Miike Show, Of Montreal, Radio Dept o New Order… Incluso Noni, cantante del grupo, reconoce haber compuesto alguno de los hits del disco sólo con teclado. Escuchando hits como “Mi realidad”, “Una nueva religión” o “A-ha han vuelto” te das cuenta de que el talento compositivo de Noni y compañía no tiene límites. Su fórmula se ha mejorado y nos encontramos con canciones con muchos estribillos, con líneas de teclado que parecen himnos de tecnopop y con una fuerza propia de los álbumes que marcan décadas.
Por una vez no es la típica propaganda que todas las bandas publican en sus portales de internet para vender más que nadie. En esta ocasión se trata de la pura verdad. Es completamente cierto, creánlo.
1. The Apples in Stereo - DREAM ABOUT THE FUTURE (LP Travellers in Space and Time)
2. Ivan Ferreiro - FARENHEIT 451 (LP Picnic Extraterrestre) 3. The Divine Comedy - DOWN IN THE STREET BELOW (LP Bang Goes The Knighthood) 4. Interpol - LIGHTS (LP We Can Be Honest) 5. Klaxons - ECHOES (LP Surfing the Void) 6. Detachments - CIRCLES (LP Circles) 7. Ornamento y Delito - DRAMA DE ESPAÑA (LP Relicario)
2. Pauline en la Playa - UN MUELLE (LP Física del Equipaje) 3. Papá Topo - OSO PANDA (Single Oso Panda) 4. Goldfrapp - ROCKET (LP Head First) 5. She&Him -IN THE SUN (LP Volume 2) 6. Los Punsetes - TUS AMIGOS (LP LP2) 7. Napoleón Solo - TIENE QUE ACABAR (EP Será Maravilloso)
El ex-Beatle por fin ha perdido el miedo (si lo tuvo alguna vez) y, ¿por qué no?, ha producido él mismo su nuevo disco. 31 discos después (los que componen su discografía en solitario) se ha decidido y ha tomado las riendas en éste, su reciente Y Not. Ya en en Liverpool 8, su anterior trabajo, coprodujo con Mark Hudson y David A. Stewart, pero ha sido en esta ocasión en la que él solo se ha convertido en el responsable del sonido final del disco. Y a decir verdad, lo que se dice solo, no ha estado. Como siempre, ha sabido rodearse de un buen elenco de músicos. Entre ellos el mismísimo Paul McCartney, Joe Satriani, un Eagles, un Eurythmics, Joss Stone, Ben Harper y otros.
Aunque solo hayan pasado dos años de aquel Liverpool 8, el salto cualitativo en este Y Not es evidente. Al parecer este es el disco más personal de Ringo Starr y haber asumido el reto le está trayendo buenos resultados, como demuestran los comentarios de la crítica especializada que lo califica como el mejor de su carrera en solitario.
"Yo era el que menos participaba en la producción de las grabaciones de Los Beatles. Y en mis discos anteriores en solitario he trabajado con algunos otros grandes productores como Richard Perry, Arif Mardin y Don Was. Así me pareció que era la forma en que debía ser, pero ahora quise entrarle al juego. Es una cuestión de confianza, supongo”, declaró Ringo Starr a la revista Rolling Stone. “Y Not es realmente otra forma de decirme: sí puedo”, recalcó en la misma publicación.
En el tema elegido como primer single, Walk With You, ya aparece la colaboración de Paul McCartney. También toca el bajo en Peace Dream y hace coros en The Other Side of Liverpool . La aportación de McCartney en Y Not es la segunda que hace para su amigo Ringo, desde 1988, cuando participó en Vertical Man . “Paul participó en los Grammy (en 2009), por lo que me visitó en mi casa de Los Angeles. Mientras tocaba el bajo en Dream Peace, de repente, le vino una idea. ‘Dame los auriculares. Dame un par de latas’, me dijo. Tomó el micrófono y entonces se inventó esa parte que sigue mi voz, ¡no puede haber nada mejor! La canción se hace más grande y más completa”, relató Starr a la revista Rolling Stone . "Es por eso que es un genio y un bajista increíble, no hay duda”, dijo el legendario baterista, que divide su tiempo entre sus casas de Mónaco, Los Ángeles (Estados Unidos) y el Reino Unido.
Otras colaboraciones importantes pasan por el famoso Joe Satriani que pone su guitarra en Fill In the Blanks , tema que abre Y Not. El guitarrista Joe Walsh, componente de los Eagles y amigo de Ringo desde hace décadas, también está en el álbum. Ben Harper, considerado uno de los mejores músicos de la última generación también ha aportado su voz al disco.
La nota más singular es la aparición de Richard Marx ¿Alguien se acuerda de él? Pues el cantante, que conoció sus mejores días a finales de los años 80 con temas como Should´ve Known Better y Right Here Waiting, vuelve a dar de qué hablar pues es otro de los invitados de Y Not.
Y quedan otros nombres ilustres que se apuntaron con Ringo Starr en el Y Not . Aparecen el compositor, arreglista y músico Van Dyke Parks –con quien Ringo compuso el sencillo Walk With You –; Benmont Tench – de Tom Petty and the Heartbreakers–; la cantante inglesa Joss Stone –que en el 2007 llegó al número uno en la listas de sencillos con Tell Me What We're Gonna Do Now – canta en Who's Your Daddy y también se sumó el Eurythmics, Dave Stewart.
En fin, que parece que al bueno de Ringo le da por autoafirmarse ahora, cuando el próximo 7 de julio cumple nada menos que 70 años. Y, ¿por qué no?
Incluso en nuestros días, en los que se habla del mp3 como el formato musical del futuro, hay que ser muy gañán para aseverar, como se hace a menudo en muchos foros, que ése es el mejor formato, aún cuando la calidad de su sonido (no nos engañemos) está muy por debajo de lo mínimamente exigible. Que sí, que está muy bien para ir al gimnasio o para acumular cientos o miles de canciones en un aparatito y consumir música compulsivamente, pero sus prestaciones en un equipo medianamente decente son lamentables.
Y es que, mientras los amantes de la música se acercan a una nueva década en este nuevo siglo, una tecnología de grabación considerada alguna vez vieja y obsoleta -el vinilo- ha estado retomando un impulso que muy pocos esperaban. Los álbumes de vinilo, que empezaron a ser sustituidos por los CD a mitad de 1980, han regresado en los últimos años, gracias a unos emergentes entusiastas, jóvenes y no tan jóvenes, que empiezan a rendirse a su sonido inigualable. Y ahora que las ventas han resurgido, los músicos que van desde los llenadores de grandes estadios como Jack White y los Flaming Lips hasta las bandas locales de las principales ciudades han estado produciendo música en vinilo y dándoles a sus aficionados material añadido como tapas al viejo estilo o pósters. Si las bandas pueden mantener los costos bajos, serían incluso capaces de ganar dinero extra en el negocio estancado de la música, donde las descargas baratas en internet están sustituyendo las ventas de CD, que antaño sí fueron lucrativas.
“Es difícil decir cuánto durará, pero incluso si tienes 16 años, tus padres seguramente tienen vinilos en algún lugar”, dijo Wayne Coyne, el cantante líder de Flaming Lips. “Así que tenemos probablemente el inicio de otra época, un mundo exótico en el que éste era el modo en que comprabas música”, agregó.
Mientras que los discos de vinilo nunca se extinguieron realmente en las estanterías de las tiendas de discos, su resurgimiento en nuestros días parece haber alcanzado un hito en el camino que comenzó en el 2007. El año pasado se vendieron 1,9 millones de discos de vinilo, casi el doble que en el 2007. La consultora de la industria musical Nielsen SoundScan proyecta que 2,8 millones de unidades habrán sido vendidas en 2009. Un amplio rango de bandas, desde Radiohead y los Beatles hasta Bob Dylan y Metallica, han estado suministrando álbumes de vinilo. Radiohead, por ejemplo, vendió 61.000 discos de vinilo en el 2008.
Además, las ventas de tocadiscos también se están incrementando, confirmando que el vinilo está alcanzando nuevos clientes y no sólo coleccionistas y puristas.
Abrid bien los oídos, la Feria Pop ha llegado a la ciudad
Quiero despedir este 2009 hablando de una de las mayores sorpresas que me ha deparado el año: Febrero y su último EP Feria Pop. Y es que el cuarteto de Tarragona vive su mejor momento desde su creación a finales de 2006 gracias a éste, su tercer trabajo, con el que han conseguido el primer premio Grupo Revelación Nacional 2009 del Festival Contempopránea.
Febrero ha ido componiendo a lo largo de los años una personalidad cada vez más pop desde que arrancaran en 2007 con su maqueta homónima. Al año siguiente Musicoterapia mostraba lo que sería ya la estructura de sus composiciones: cercanas, sinceras y sencillas (que no simples). Con Feria Pop Febrero te invita a pasar un día en un parque de atracciones musical, donde cabe de todo. Desde temazos sesenteros como Montañas Rusas (¿notas ese cosquilleo en el estómago?) o Autos de Choque (con remisión inevitable a The Smiths) hasta otros cortes más lentos como la misma Noria, capaz de subirte a lo más alto para contemplar el espectáculo sonoro de su melodía.
En definitiva, Feria Pop está llamado a ser el punto de inflexión de estos catalanes que se merecen, desde ya, algo más.
Ni ellos se lo esperaban. Cuando Kip Berman(voz y guitarra), Alex Naidus(bajo), Peggy Wang(teclados) y Kurt Feldman(batería) pusieron en marcha The Pains of Being Pure at Heart, solo pretendían divertirse y emular a sus bandas favoritas. Meses después, tras la aparición de su primer álbum (de título homónimo), se han convertido en una de las grandes esperanzas de la escena independiente mundial. “Estamos realmente sorprendidos por la acogida que ha tenido el disco”, admite Berman por teléfono. “La verdad es que no teníamos grandes expectativas y ha sido algo arrollador, a la gente le ha gustado mucho”. Lo que tampoco tiene es una explicación razonable para el fenómeno: “Supongo que es cuestión de buena suerte. Hay montones de bandas estupendas que no logran la oportunidad de llegar al público o que consiguen buenas críticas y, aún así, son ignoradas por la gente, así que me imagino que hemos sido muy afortunados”
Probablemente tenga razón, ya que practican un género tradicionalmente británico (el shoegazing) al que no hacen aportaciones dignas de mención, más allá de la confección de unas melodías prácticamente perfectas. “Es cierto que nos han influido muchos grupos ingleses y escoceses, pero también hemos crecido escuchando a Sonic Youth, Nirvana o The Smashing Pumpkins. Creo que la influencia geográfica ha sido equitativa”.
Sus referentes son tan evidentes (The Vaselines, The Jesus & Mary Chain, The Pastels, My Bloody Valentine), que hasta podrían ser considerados un grupo revivalista, en la estela de The Raveonettes. “Bueno, tenemos unos modelos realmente fantásticos, y lo único que pretendemos es hacer música suficientemente buena y excitante. Todo el mundo se mira en otros, nuestro objetivo es escribir las mejores canciones que podamos. No creo que seamos una banda revivalista, pero es imposible renegar de la música que has escuchado mientras crecías. Hoy en día es muy difícil hacer algo completamente original”.
Ellos están disfrutando de un momento dulce que les llevó a participar en la última edición del Primavera Sound y que ahora les trae nuevamente a España como cabezas de cartel del festival itinerante Greenspace. El éxito, sin embargo, no se les ha subido a la cabeza, y siguen siendo el mismo grupo de amigos veinteañeros de cuando empezaron: “Estamos viviendo un sueño. Pusimos el grupo en marcha hace unos tres años, con el único fin de pasarlo bien, sin saber lo que podía ocurrir. Ahora estamos tocando por todo el mundo y conociendo músicos a los que siempre hemos admirado. Es increíble, pero sabemos que tendremos que trabajar duro en el futuro”.
Ese futuro se concreta, de momento, en un EP recién aparecido y titulado “Higher than the stars”. “En los conciertos de esta gira tocaremos las cuatro canciones nuevas que incluye”, asegura un Berman sin miedo a la presión. “No nos sentimos condicionados por el éxito obtenido, vamos a continuar haciendo lo mismo. La única diferencia es que cuando grabemos el nuevo álbum aprovecharemos para explorar algunas ideas que no tuvimos tiempo de desarrollar en el primero. Ya tenemos algunas canciones y estamos muy emocionados”.
Puede que en un mundo como el actual, tan saturado de propuestas musicales de todo tipo, sea necesario ponerse un nombre extravagante para conseguir llamar la atención (que se lo digan a los gallegos Triángulo de Amor Bizarro), pero The Pains of Being Pure at Heart se llevan la palma en lo que respecta a singularidad nominal, con la excepción, quizá, del grupo de Austin I Love You But I’ve Chosen Darkness, que también se las trae. “Nuestro nombre lo sacamos de un libro. Nos gustó y lo adoptamos, no hay otra explicación. No somos emo, ni nada parecido”, aclara Berman entre carcajadas. “Mucha gente nos ha dicho que no fue una buena elección, pero la mayoría nos llama simplemente The Pains. ¡Y me encantan I Love You But I’ve Chosen Darkness! De todas formas, creo que Owen Ashworth nos gana a ambos, porque su proyecto se llama Casiotone For The Painfully Alone. Y no te olvides de… And You Will Know Us By The Trail Of Dead, que tampoco se quedan cortos”. El caso es que, con nombre raro o no, los de Brooklyn han demostrado que el indie rock de los noventa no estaba tan muerto y enterrado como se pensaba: “No hay mas que ver el cartel de los festivales: Sólo estuvimos un día en el Primavera Sound, y nuestro concierto coincidió con el de My Bloody Valentine, por lo que nos los perdimos. Y The Vaselines actuaron durante la jornada previa, así que tampoco pudimos verlos, pero aprovechamos para saludar a buenos amigos, como Crystal Stilts o Vivian Girls. ¡Y Jarvis Cocker tocó en nuestro escenario!” Comprobado: Fans antes que músicos.
