Abrid bien los oídos, la Feria Pop ha llegado a la ciudad
Quiero despedir este 2009 hablando de una de las mayores sorpresas que me ha deparado el año: Febrero y su último EP Feria Pop. Y es que el cuarteto de Tarragona vive su mejor momento desde su creación a finales de 2006 gracias a éste, su tercer trabajo, con el que han conseguido el primer premio Grupo Revelación Nacional 2009 del Festival Contempopránea.
Febrero ha ido componiendo a lo largo de los años una personalidad cada vez más pop desde que arrancaran en 2007 con su maqueta homónima. Al año siguiente Musicoterapia mostraba lo que sería ya la estructura de sus composiciones: cercanas, sinceras y sencillas (que no simples). Con Feria Pop Febrero te invita a pasar un día en un parque de atracciones musical, donde cabe de todo. Desde temazos sesenteros como Montañas Rusas (¿notas ese cosquilleo en el estómago?) o Autos de Choque (con remisión inevitable a The Smiths) hasta otros cortes más lentos como la misma Noria, capaz de subirte a lo más alto para contemplar el espectáculo sonoro de su melodía.
En definitiva, Feria Pop está llamado a ser el punto de inflexión de estos catalanes que se merecen, desde ya, algo más.
Ni ellos se lo esperaban. Cuando Kip Berman(voz y guitarra), Alex Naidus(bajo), Peggy Wang(teclados) y Kurt Feldman(batería) pusieron en marcha The Pains of Being Pure at Heart, solo pretendían divertirse y emular a sus bandas favoritas. Meses después, tras la aparición de su primer álbum (de título homónimo), se han convertido en una de las grandes esperanzas de la escena independiente mundial. “Estamos realmente sorprendidos por la acogida que ha tenido el disco”, admite Berman por teléfono. “La verdad es que no teníamos grandes expectativas y ha sido algo arrollador, a la gente le ha gustado mucho”. Lo que tampoco tiene es una explicación razonable para el fenómeno: “Supongo que es cuestión de buena suerte. Hay montones de bandas estupendas que no logran la oportunidad de llegar al público o que consiguen buenas críticas y, aún así, son ignoradas por la gente, así que me imagino que hemos sido muy afortunados”
Probablemente tenga razón, ya que practican un género tradicionalmente británico (el shoegazing) al que no hacen aportaciones dignas de mención, más allá de la confección de unas melodías prácticamente perfectas. “Es cierto que nos han influido muchos grupos ingleses y escoceses, pero también hemos crecido escuchando a Sonic Youth, Nirvana o The Smashing Pumpkins. Creo que la influencia geográfica ha sido equitativa”.
Sus referentes son tan evidentes (The Vaselines, The Jesus & Mary Chain, The Pastels, My Bloody Valentine), que hasta podrían ser considerados un grupo revivalista, en la estela de The Raveonettes. “Bueno, tenemos unos modelos realmente fantásticos, y lo único que pretendemos es hacer música suficientemente buena y excitante. Todo el mundo se mira en otros, nuestro objetivo es escribir las mejores canciones que podamos. No creo que seamos una banda revivalista, pero es imposible renegar de la música que has escuchado mientras crecías. Hoy en día es muy difícil hacer algo completamente original”.
Ellos están disfrutando de un momento dulce que les llevó a participar en la última edición del Primavera Sound y que ahora les trae nuevamente a España como cabezas de cartel del festival itinerante Greenspace. El éxito, sin embargo, no se les ha subido a la cabeza, y siguen siendo el mismo grupo de amigos veinteañeros de cuando empezaron: “Estamos viviendo un sueño. Pusimos el grupo en marcha hace unos tres años, con el único fin de pasarlo bien, sin saber lo que podía ocurrir. Ahora estamos tocando por todo el mundo y conociendo músicos a los que siempre hemos admirado. Es increíble, pero sabemos que tendremos que trabajar duro en el futuro”.
Ese futuro se concreta, de momento, en un EP recién aparecido y titulado “Higher than the stars”. “En los conciertos de esta gira tocaremos las cuatro canciones nuevas que incluye”, asegura un Berman sin miedo a la presión. “No nos sentimos condicionados por el éxito obtenido, vamos a continuar haciendo lo mismo. La única diferencia es que cuando grabemos el nuevo álbum aprovecharemos para explorar algunas ideas que no tuvimos tiempo de desarrollar en el primero. Ya tenemos algunas canciones y estamos muy emocionados”.
Puede que en un mundo como el actual, tan saturado de propuestas musicales de todo tipo, sea necesario ponerse un nombre extravagante para conseguir llamar la atención (que se lo digan a los gallegos Triángulo de Amor Bizarro), pero The Pains of Being Pure at Heart se llevan la palma en lo que respecta a singularidad nominal, con la excepción, quizá, del grupo de Austin I Love You But I’ve Chosen Darkness, que también se las trae. “Nuestro nombre lo sacamos de un libro. Nos gustó y lo adoptamos, no hay otra explicación. No somos emo, ni nada parecido”, aclara Berman entre carcajadas. “Mucha gente nos ha dicho que no fue una buena elección, pero la mayoría nos llama simplemente The Pains. ¡Y me encantan I Love You But I’ve Chosen Darkness! De todas formas, creo que Owen Ashworth nos gana a ambos, porque su proyecto se llama Casiotone For The Painfully Alone. Y no te olvides de… And You Will Know Us By The Trail Of Dead, que tampoco se quedan cortos”. El caso es que, con nombre raro o no, los de Brooklyn han demostrado que el indie rock de los noventa no estaba tan muerto y enterrado como se pensaba: “No hay mas que ver el cartel de los festivales: Sólo estuvimos un día en el Primavera Sound, y nuestro concierto coincidió con el de My Bloody Valentine, por lo que nos los perdimos. Y The Vaselines actuaron durante la jornada previa, así que tampoco pudimos verlos, pero aprovechamos para saludar a buenos amigos, como Crystal Stilts o Vivian Girls. ¡Y Jarvis Cocker tocó en nuestro escenario!” Comprobado: Fans antes que músicos.
2. Varry Brava - RADIOACTIVO (LP Ídolo) 3. Julian Casablancas - 11th DIMENSION (LP Phrazes for The Young) 4. The Raveonettes - THE LAST DANCE (LP In And Out Of Control) 5. The Pains of Being Pure at Heart - HIGHER THAN THE STARS (EP Higher than the stars) 6. Royksopp and Fever Ray - THIS MUST BE IT (LP Junior) 7. Cornershop - SOUL SCHOOL (LP Judy Sucks A Lemon For Breakfast)
Lo he intentado. He vuelto a poner todas las ganas del mundo en el último trabajo de los irlandeses, pero no hay manera. Hace más de 10 años que me aburren. Y es que, si echo la vista atrás, cuando aún era un incondicional de U2, y pienso en discos como el inolvidable The Joshua Tree (1987), el maravilloso punto de inflexión que marcó Achtung Baby (1991) - una auténtica obra maestra, mi favorito - o incluso el más flojo Pop (1997) que aún así incluía algunos temazos como Staring at the Sun o Lemon, me invade la nostalgia irremediablemente.
Este No Line on the Horizon me parece, pese a un manifiesto intento de la banda por cambiar de estilo, un poco más de lo mismo, en la línea que ya marcaron sus 2 últimos álbumes, All That You Can't Leave Behind (2000) y How to Dismantle an Atomic Bomb (2004). Tras 5 años de descanso esperaba algo más, quizás un nuevo giro, un nuevo conejo sacado de la chistera del que solía ser un gran mago, el polifacético Bono. Hoy por hoy, U2 se me antojan una banda sin un horizonte musical definido, que trata de dar una vuelta de tuerca a su monótono sonido sin éxito y, lo que es peor, sin un objetivo claro.
Pese a todo, cabría destacar 2 puntos:
1.- Es innegable la capacidad de este grupo para generar grandes expectativas y enormes espectáculos, y es que sus directos siguen siendo de lo más exagerado del panorama actual. Todo ello se traduce naturalmente en records de ventas, discos de platino y una producción ingente de ingresos. En fin, en eso consiste el juego de la actual industria discográfica.
2.- U2 siguen siendo U2 y como dicen por ahí, quien tuvo retuvo. Eso significa que, por supuesto, mantienen un nivel muy digno si tenemos en cuenta otros productos de los que se ven hoy en día y que van dirigidos a la gran mayoría.
Seguiré esperando el regreso de los mejores U2. Seguro que llegará.
Su primer trabajo, tras disolver Los Fresones Rebeldes y fichar a Ana de La Monja Enana (entre otros), fue el CD-Single Cosas que no se olvidan (2002), que contenía 3 temas producidos por Guille Milkyway. Después de esta fantástica carta de presentación vendría Contando historias (2004) y, tras algún que otro EP, ahora nos llega su nuevo y esperado último álbum: Guitarras y Tambores.
No creo que este disco incluya ninguna canción que sobresalga por encima de las demás. Con ello no quiero decir que sea aburrido o insulso sino que se trata de un álbum muy homogéneo. En la línea de sus últimos trabajos, Felipe y compañía vuelven a la carga con otra dosis de su característico pop sencillo y fresco, que bebe en las fuentes del sonido más clásico de los 60 y con los ecos siempre nítidos de Los Fresones.
Me gustan especialmente Suena el Teléfono, con un ritmo marcado y peligrosamente pegadizo (es muy probable que más de una mañana te levantes silbando ese compás) y Chocolate y té, un medio tiempo con magnífico estribillo y letras con una temática tan pop... (ése es casi un común denominador en todos los cortes).
El grupo hace una auténtica declaración de intenciones en su myspace (en el que además pueden escucharse unas cuantas canciones de Guitarras y Tambores) y es que en el apartado suena como se autodefinen como Sueños Pop hechos realidad.
Por eso, “Guitarras y tambores” es en el fondo un disco de pop clásico. Porque sus melodías y sus arreglos están inspirados en los grandes nombres del género. Porque la frescura y la vitalidad campan a sus anchas en un disco lleno de emociones. Pero sobre todo porque el pop no lo es tanto si no se deja pervertir por otros estilos, por otras influencias, por otros horizontes.
Hoy, como cada día desde hace más o menos un mes, he salido a correr un rato. Como siempre, voy debidamente pertrechado con mi mp4 cargado de música y en esta ocasión he estado disfrutando del último trabajo de Junior Boys. Siempre he sentido una especial debilidad por la música electrónica, quizá influido por mis tempranas escuchas del Music for the Mases (1987) de Depeche Mode o el Substance (1987) de New Order. El caso es que con esas influencias resulta inevitable mi predilección por estos canadienses de corte neorromántico y ochentero.
Su tercer trabajo, Begone Dull Care, toma su nombre de un cortometraje experimental del cineasta escocés Norman McLaren, en el que parecen haberse inspirado para componer algunas de sus canciones (como Sneak A Picture o The Animator). 8 temas componen el disco, 8 piezas de un universo de gélida electrónica arropada en voces suaves y cálidas. Por encima de esa espesa bruma hipnótica sobresale, brillante, Bits & Pieces, de melodía admirable y acogedores juegos vocales (sin duda es ésta, la gran baza del dúo canadiense).
Ahora puedo afirmar sin vacilación alguna que este Begone Dull Care es y será una de las sorpresas más sugerentes de este 2009, que no ha podido empezar de mejor manera.
Tras otro más de sus experimentos en forma de proyecto hercúleo, poniendo la voz a temazos más bailables como Blind, Antony Hegarty vuelve con sus habituales The Johnsons para regalarnos de nuevo otro trozo de su singular personalidad cautivadora. Y es que todo lo que envuelve este trabajo rebosa de su extraña naturaleza. Desde el título, la luz que llora, hasta la imagen de portada del álbum (fotografía del bailarín Kazuo Ohno tomada en 1977), todo es 100% Antony.
El disco se abre con Her eyes are underneath the ground, una canción muy en la línea de su anterior trabajo, I'm a bird now, con esqueleto de piano. A continuación, un momento más luminoso, Epilepsy is dancing, con arreglos de cuerda y un estribillo que te atrapa irremediablemente.
La luz que llora se abre paso después a través de otros temas como el ya conocido por su anterior EP, Another World, o Daylight and the sun (para mí, de las mejores), con una melodía para emocionar a las piedras y la omnipresente voz de Antony para marcar la diferencia.
El disco se cierra con Dust and Water, lamento desnudo de cualquier ornamento musical y la concluyente Everglade, donde Antony juega con sonoridades sinfónicas para darnos un último mensaje más optimista.
En definitiva, The Crying Light es, otra vez, un disco donde la personalidad de Antony fluye por todas partes. El sello y la individualidad del genio queda de manifiesto en cada una de sus canciones y el resultado final es de una elegancia inusual. Se podrán aplicar muchos calificativos a este disco, pero uno sería del todo inapropiado y ese es precisamente el de vulgar.
Parece mentira que hayan pasado ya más de 4 años desde la publicación del inmenso You are the Quarry (2004). Recuerdo perfectamente la primera vez que, en cuanto cayó en mis manos, escuché temazos como Irish Blood, English Heart o First of the Gang to die; recuerdo, como si fuera ayer, que en aquel preciso momento volví a creer en Morrissey y, a pesar de lo que leo por ahí, este Years of Refusal me parece una nueva evidencia del talento de Mozz. Después del flojo Ringleader of The Tormentors (2006), su último trabajo se me antoja más que notable.
Sin llegar a las cotas alcanzadas con el insuperable You are the Quarry, este Years of Refusal ofrece momentos muy álgidos. Aquí hay canciones que valen mucho la pena. A priori podría resultar decepcionante la inclusión de That's How People Grow up y All You Need Is Me, que ya aparecían en el Greatest Hits del año pasado, pero escuchado el disco en su conjunto, ahora no podría prescindir de ellas. De hecho este CD debe disfrutarse de principio a fin, no como algo conceptual, sino como una obra de intensidades, de grados, con sus altibajos, donde cada composición necesita de la anterior y está donde tiene que estar por una determinada razón, y es que sin unas no existirían las otras. Y así I Am OK With Myself, Black Cloud, It´s Not Your Birthday Anymore, One Day Goodbye Will Be Farewell o Sorry Doesn´t Help resultan brillantes, vibrantes o emocionantes, cada una en su justa medida. Es cierto que el de Manchester no inventa nada (¿para qué?, ¿acaso lo necesita?) pero una cosa sí es segura: aquí está, de nuevo, el mejor Morrissey de los últimos tiempos. Mozz, he vuelto a ver la luz.
Acabo de enterarme de un dato curioso, y es que la venta de vinilos ha subido el pasado 2008 más de un 200%. Ante la imparable tendencia a la baja del CD, que descendió un 35% entre 2006 y 2008, parece increíble que el negocio 'anacrónico' del vinilo aumente de esta manera y por tercer año consecutivo.
Y este dato sólo refleja el disco de nueva edición, sin incluir la venta de segunda mano que, para este formato sigue siendo la principal vía de adquisición. Llevadas por este reciente fenómeno, algunas discográficas, atentas siempre a toda posibilidad de generar dinero, se dedican en los últimos tiempos a reeditar en vinilo algunos álbumes de los 90 que en su momento sólo fueron lanzados en disco compacto.
Aún así, manejando datos absolutos, el año pasado únicamente se vendieron 100.000 unidades de vinilo mientras que, por ejemplo, sólo El Canto del Loco vendió más de 180.000 CD de su último trabajo.
En EEUU sucede algo parecido. Según los datos que recoge Ars Technica, se puede constatar la irrefrenable caída del producto CD (que desciende un 14%) mientras suben las descargas de canciones (a través del movil o internet) un 27% y, aunque pequeño en términos absolutos, asistimos igualmente a un renacimiento de la cultura del vinilo, que aumenta sus ventas en un 89%. Resumiendo, se compra más música, pero en formato de canciones sueltas (mediante descarga), el CD parece destinado a desaparecer paulatinamente, y aumenta el consumo de melómanos románticos que siguen queriendo hacer girar sus discos de vinilo y exponer sus sentidos al característico e inconfundible sonido analógico.
El próximo lunes 26 de enero se pone a la venta Tonight, el tercer álbum de Franz Ferdinand .
Se trata, sin duda, de un regreso muy esperado, ya que han pasado casi cinco años desde que publicaron You could have it so much better. Durante este paréntesis, el grupo ha tenido tiempo para hacer prácticamente de todo: Alex Kapranos ha publicado un libro, Sound bites, en el que hace una particular crónica gastronómica y Bob Hardy, incluso se ha dedicado a dirigir y a ilustrar.
Las canciones de este disco se han fraguado en directo: «según escribíamos las canciones, las tocábamos en directo – pero no en grandes estadios, sino en pequeños sótanos de bares y clubs, dejando que corriere de boca a boca y dejando que las canciones pudiesen morir si era necesario», cuenta el grupo.
El resultado es un álbum irregular y con un sonido bastante heterogéneo, que tal vez sorprenderá ligeramente a sus fans (si bien resulta improbable que se sientan decepcionados).
El álbum se abre con Ulysses, un hit potencial que recuerda a los mejores Franz Ferdinand , a los mismos que conquistaron a medio mundo con Take me out. Sin embargo, patinan con Lucid dreams, que empieza como una canción más del grupo y que termina siendo un tema de electrónica pura y dura (y poco acertada).
En Dream again se acercan a la psicodelia, y tampoco resultan demasiado convincentes. Turn it on y No you girls apuesta por la fórmula ganadora del grupo, combinando sintetizadores, guitarras y ritmos sencillos, pero tampoco deslumbran. El disco se cierra con la balada Katherine kiss me, la única del disco (y algo, por otra parte, poco habitual en el grupo).
No es, ni de lejos, su mejor trabajo. Tonight es el álbum de un grupo que intenta, con suerte irregular, explorar nuevos sonidos. Grabado en Glasgow, en los estudios Chemikal Underground, el disco está producido por Paul Savage (batería de Delgados).
